<<::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::
PAUL McCARTHY *4.8.1945
:::::::
Paul Mc Carthy, geboren am 4. August 1945 in Salt Lake City / USA ist ein bedeutender in Los Angeles lebender amerikanischer Künstler der sich mit der Rückseite der amerikanischen Mythen beschäftigt: Sex, Macht, Geld. Dabei bezieht er sich in antithetischer Weise auf Disney , Jefff Koons und andere Hollywood Mythen. Diese sind ihm Widerpart in der Behandlung des "American Dreams". Die Arbeiten stehen in der Tradition von Wiener Aktionismus, Surrealismus, Happening, Fluxus, Neo Dada, Antiart; dem Ansatz von Gustav Metzger. Dabei arbeitet McCarthy mit allen Möglichkeiten der gegenwärtigen Szene: Projektionen wie Bill Viola, und Tony Oursler,Vergrößerungen wie Oldenbourg, etc. Nach Beuys ist er der überzeugende Fackelträger für die Erweiterung der Kunst ohne Rücksicht auf Tabubruch. Aber anders als Beuys ist erkein Schamane mit entsprechendem Weltbild , sondern eher Clown ( wie ? in den Simpsons) . Wie Beuys wählt er den Weg über Materialsymbolik mit einen persönlichen und einem sozialen Ansatz; Sex und Macht in Bezug auf das Individuum und den >american way of life< (Disney und Hollywood) in Bezug auf sein soziales Umfeld.1969 Studium der Kunst an der Universität von Utah und danach am San Francisco Art Institute
1972 Bachelor of Fine Arts in Malerei am SFAI an der University of Southern California
1973 M.F.A., studierte er Film, Video und Intermedia an der University of Southern California; Master of Fine Arts.
Seit 1982 Professor für Video, Installationen und Geschichte der Kunstdarbietungen an der UCLA, Los Angeles.
lebt und arbeitet in Pasadena ,Ca und L.A.Ca
McCarthy begann sein Werk als Anknüpfung an den Wiener Aktionismus, als expressiv-dekonstruktiverAktionskünstler in den 70gern und 80gern.Er wurde seit den späten 60er Jahren durch seine live Performances bekannt und gilt mit Chris Burden als ihr Hauptvertreter in der kalifornischen Kunstszene. Er beginnt seine Performances auf Video aufzunehmen .Überdies schafft er plastische Elemente ("Props"), wenn er die Videos in der Kulisse vorführte, in der er diese inszeniert hatte. Die Videos handeln von rohen und gewalttätigen Situationen. Paul McCarthy bricht das Tabu des "Cleanen Amerika". Ab 1974 wurden seine Aktionen / Arbeiten aggressiver und sexuell provokativer. Seine Darbietungen wurden als brutal selbstzerstörerische beschrieben. McCarthy wurde beeinflusst von der mechanischen Inszenierung eines Tinguely und der "Destruction in art"von Gustav Metzger. Weitere Einflüsse sind die Filme von Bruce Conner und Stan Brakhage in den 60gern; Kurt Kren, Peter Kubelka und Tony Conrad in den 70gern. Auch scheint er die Antwort Amerikas auf das Werk von Joseph Beuys zu sein.
Erst ab 1990 wird er bekannt.Mit Bossy Burger (1991) beginnt er mit Masken und Objekten in einer gebauten Installation eine Performance mit Videoaufzeichnung zu kombinieren. Er stellt den künstlerischen Akt als solchen dar, als er sich in der Performance verausgabt sieben Zeichnungen zu machen.. Dies machen erfordert seine ganze Energie und ist nur in einer Trance möglich. Erst in 1999 gibt es Einzelvorstellungen seines Werkes. Seine Performances mit Props ( Performance Objects) in speziell gebauten Studio- Installationen verändern sich zub objektorientierten Aktionen und sehr großen Installationen mit filmisch festgehaltenen Performances.(Video)
"In 1991, Bossy Burger: McCarthy outfitted himself in a chef's costume and Alfred E. Newman mask and performed a cooking-show parody on a set --a hamburger stand-- once used for the TV sitcom The Hogan Family. But now the set is exhibited as an installation smeared, damaged and sullied with the remains of the artist' Bossy Burger performance: dried splotches of ketchup, a feeling of squalor and furniture in disorder are clues that a bloody gastro-massacre has been going on there. Outside the production set, a monitor screens the performance. "(Paul McCarthy at the S.M.A.K. 2007)
"1992 The Garden features sets from Bonanza, a cowboy TV series from the 1960s. Seen from a distance, the artificial forest glade looks quite innocent, but walk closer and you'll spot two life-size mechanical male figures – an upright and pathetic “father?? fucking a tree and a “son?? giving the same kind of attention to a hole in the ground." (Paul McCarthy at the S.M.A.K. 2007)
Caribbean Pirates ( 2001-2005): Einige übel aussehende Piraten, aussehend wie Osama bin Laden, mit a Guggenheim Turban, etc"The Pirate Project was by far the most appealing/repulsive body of works for me. The artist's studios are in Los Angeles and one can feel the references to Hollywood. It's not so much a critique of the "dream factory" as a parody of it. Caribbean Pirates for example is inspired by the Disneyland attraction and movie Pirates of the Caribbean, only that there's nothing glamour and entertaining, it heads straight to the gore and soft porn. The center piece is an imposing 5 meter high pirate ship made of fiberglass. The deck of this brownish-red hull is strewn with objects and smeared with chocolate sauce, ketchup and fake blood. The Pirate Party videos projected on the walls surrounding the ship reveal the obscene and brutal scenes which took place on board. In the movies, thirty actors, some of them wearing oversize carnival heads, simulate the invasion of a village, complete with rape, mutilation, violence and the public sale of the village women. Beyond the farce, the masks and the grotesque spoof horror movie scenes, McCarthy's Pirate work makes also some references to the US invasion of Iraq, some scenes have been said to allude clearly to Abu Ghraib and the abuse of prisoners. " (Paul McCarthy at the S.M.A.K. 2007)
Paul McCarthy and Damon McCarthy: Caribbean Pirates- Los Angeles Premiere-
"Crazed, inventive, obscene and often very funny… played out in weird costumes and with rumbustious, clownish fervour." The Guardian
This multi-screen installation offers Los Angeles audiences their first view of videos from Caribbean Pirates, the McCarthy studio’s sprawling survey of the pirate figure in American popular culture. As originally shown in 2005 at Munich’s Haus der Kunst, the manic, typically bawdy work collaged video projections with large-scale sculptures, props, and film sets — including a full-scale pirate frigate and a 1970s-era houseboat. Different incarnations of this scabrous examination of the pirate as a symbol of invasion, plunder and depravity have since been presented at several other major European venues to vast critical and popular acclaim. The site-specific installation of Caribbean Pirates at REDCAT marks the first time that this work is being shown without its related sculptural elements.
In person: Paul McCarthy, Damon McCarthy
Paul McCarthy (born 1945) is widely considered to be one of the most influential and groundbreaking artists of today. Using the language and imagery of the all-pervasive American consumer culture he grew up with, his work distorts and mutates the familiar into the disturbing and carnivalesque. His early work was heavily influenced by Viennese Actionism, seeking to break the limitations of painting by using the body as a paintbrush or even canvas; later, he incorporated bodily fluids or food into his works, and explored film, video, performance and multi-media installation.
Having first studied art at the University of Utah, McCarthy obtained a BFA in painting from the San Francisco Art Institute, and then received a MFA from USC where he has studied film, video and art. Upon graduation, in the early 1970s, he first became known for his visceral performances and film works. In 1982, he was invited to teach video, installation, and art history at UCLA. During the 1990s he extended his practice into stand alone sculptural figures, installations and large sculptures, animatronic and/or inflatable. He has had recent solo exhibitions at Tate Modern, London (2003); Luhring Augustine Gallery, New York (2002); Galerie Hauser & Wirth, Zurich (2001); Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2000); and the New Museum of Contemporary Art, New York (2000). He currently lives and works in Altadena, CA.
Throughout his career, Paul McCarthy has produced publications, at times inviting other artists to collaborate or contribute, and has curated exhibitions. Since 2000, he has collaborated closely with his son, CalArts graduate and artist Damon McCarthy (b. 1973) on a number of complex performative video installations, such as Piccadilly Circus and Bunker Basement (both 2003), F-Fort Party (2005) and Caribbean Pirates (2001-2005). The latter project (featured at REDCAT) was inspired by Damon Mc Carthy’s suggestion to use the Disney ride Pirates of the Carribbean as a visual impetus. According to the two artists, the pirate theme is treated as a metaphor for US invasion and occupation of foreign lands.
“This gargantuan project occupied the artist and his son, Damon McCarthy, and a huge crew of actors, builders, mechanics and film personnel over several years. The performance action that took place on the set included blood-gushing animatronic limb amputations, prosthetic nose-severings, belly-bursting tropical diseases and gang-bangs. Not to mention the catering-size cans of Hershey's Chocolate Sauce drooled and spattered absolutely everywhere. It's only chocolate, you might say (like the marzipan turds in Pasolini's Salo), and the action may be so knockabout as to be unbelievable, but this is still a theatre of cruelty, in the Hollywood Jacobean mode.” -- Adrian Searle, The Guardian
“Maybe for McCarthy the world is made up of myths alone -- myths which continually allow us to come up with new conceptions of ourselves, to celebrate images, to give legitimacy to greatness, dreams, happiness, and the darkness that surrounds us.
"Hollywood & Disney -- both are the epitome of myth generators: they use them and create them. McCarthy’s show does not conceal the fascination that such myths hold -- just the opposite -- he indulges them. But then comes the horrible reversal -- the myth is destroyed by its own means: the curved, rakish pirate hat becomes the penis hat, the smiling eye grows into something phallic... Illuminated by its own light and glitter, Hollywood is meant to shine and be sullied at the same time; the skills and constructs of the dream factory are put on display and then pulled apart. What the viewer sees is the other side, where the darkest depths come to life and to light. The pink pig still grins blissfully even though it is kept alive artificially, by human effort alone. Perversions and grotesqueries appear everywhere -- the fascination and the humor are just as audible and tangible as the malice.
"The content of McCarthy’s large-scale performances, created with his son Damon, are in the lineage of Edward Albee’s Who’s Afraid of Virginia Woolf and Pasolini’s Salo or the 120 Days of Sodom, yet the action is abstract; barely comprehensible... What ends up being shown is a strange mixture of B-movie gore, absurdity, inanity, excess, trash -- huge bellies stuck onto bodies, actors wearing silly, round noses; mayonnaise, ketchup and other sauces just as important as the (naked) bodies.” -- Emma Nielson, Pulse Berlin
The Jack H. Skirball Screening Series is curated by Steve Anker and Bérénice Reynaud
Funded in part with generous support from Wendy Keys and Donald Pels.
Date & time General
Admission Students,
Alumni with
Affinity Card CalArts
Students,
Faculty and Staff
Thu 11.20.08 8:30 pm $20 $16 $10
Fri 11.21.08 8:30 pm $20 $16 $10
Sat 11.22.08 8:30 pm $20 $16 $10
For student and CalArts alumni, faculty and staff discounts,
please call the REDCAT box office at 213-237-2800.
"LaLa Land - Parodie Paradies" ,2005 : " Lately, we have seen a lot of McCarthy in Britain. A retrospective travelled to Tate Liverpool in 2001. In 2003 his huge inflatable sculptures stood outside Tate Modern, and that same year the Los Angeles-based artist presented an installation, Piccadilly, as the opening show for Hauser and Wirth's new London gallery. Including hours of video performance, projected amid the wreckage of the set he built for the performance, Piccadilly's theme, approximately, was a tea party attended by the Queen Mother, George W Bush and Osama bin Laden. All this might be seen as a warm-up for LaLa Land Parody Paradise, the largest exhibition of McCarthy's work ever to come to Europe; it has travelled from Munich's Haus der Kunst to the Whitechapel Gallery in east London" McCarthy's use of whole and partial body casts always makes one think of grotesque dismemberments, and the casting process is revealed as relating to dominance and bondage games, even a form of torture. Can we see, now, a cast of a figure, with a bin-liner covering the head and torso, without being reminded of the photos taken at Abu Ghraib?
What has always saved McCarthy's work from being a slight, if gruelling, sort of sadomasochistic exhibitionism, has been his humour, and the violent acts he perpetrates are often as close to Disney or Warner Brothers cartoons as to S&M scenarios or the torture room. Nevertheless, though his approach to artistic orthodoxies may have begun as a refreshing playfulness, it soon escalated towards the nihilistic, the depressing and the abject.
His smaller sculptures - the mangled busts, the pirate heads with penis-eyes and cock-and-ball hats, the evil, grinning Jack Palance types - show that he has a sculptor's sensibility, as much as an errant film-maker's or an opera director's. And here's McCarthy himself, hairy and blotchy, prone on a sun lounger, his willy poking out from under his shirt. Neither better nor worse than a Ron Mueck sculpture, this work shows us the limits of the hi-tech, latter day version of the waxwork. Or at least I thought it did, until I saw the pig.
So lifelike is this many-teated sleeping pink sow, breathing sonorously and twitching a curly tail in her porcine dream, that only her cumbersome life-support system of electronic gizmos, hydraulics and computers convinces us she's not real. Even her sphincter puckers in her sleep. Pigs are not renowned for their personal grooming, but this one is perfect: immaculate, pedicured, sleek, gamine, not an whisker out of place. And what is this porker dreaming of? Of an island, which sits on a plinth a few steps away - a treasure island where a horde of pirates and a herd of pigs make squealing, bestial love 'neath the dinner-plate palm trees.
While McCarthy often parodies the movie industry - the sets, the special effects, the preoccupations with child-like wonder and the crass, moronic violence - Disney itself is interested in his pig, for its animatronics department. This is a nice reciprocation to McCarthy's work Caribbean Pirates, which is roughly based on Disney World's Pirates of the Caribbean theme park ride. It fills a vast warehouse 10 minutes' walk from the Whitechapel Gallery.
There, a big, cubic ship pitches and yaws in several directions at once as its hull and superstructure see-saw, tilting together and apart. It's like watching two huge minimalist sculptures having sex. Just looking at it makes you feel queasy. Wander between this and the hull of a pirate ship next door, and the the mocked-up cabins and decks - strewn with severed limbs, buckets of guts, welters of strawberry-syrup blood and other remains of buccaneering mayhem - and you almost do throw up.
In a splintery houseboat that might have drifted here from Cape Fear, a TV monitor plays Mike Nichols' 1966 movie of Edward Albee's play Who's Afraid of Virginia Woolf, about the psychological blood-letting of a shipwrecked marriage. Albee's title refers to Who's Afraid of the Big Bad Wolf?, a tune sung in Disney's 1933 animated short Three Little Pigs. McCarthy uses Nichols' film as a goad for his actors - who include a Liz Taylor lookalike - in developing the hours and hours of frightening video footage from two deranged performances, which are projected around the walls. Another reference point included Pasolini's Salo (based on De Sade's 120 Days of Sodom), and I also detect hints of Terry Gilliam, Ken Russell, William Burroughs' Wild Boys and every pirate adventure one has ever come across.
To say that all this is full-on doesn't do justice to such a gargantuan project, which has occupied the artist and his son, Damon McCarthy, and a huge crew of actors, builders, mechanics and film personnel over several years. Damon also lost two fingers in an on-set accident, adding a horrible verisimilitude to the performance action that took place on the set - including blood-gushing animatronic limb amputations, prosthetic nose-severings, belly-bursting tropical diseases and gang-bangs. Not to mention the catering-size cans of Hershey's Chocolate Sauce drooled and spattered absolutely everywhere. It's only chocolate, you might say (like the marzipan turds in Pasolini's Salo), and the action may be so knockabout as to be unbelievable, but this is still a theatre of cruelty, in the Hollywood Jacobean mode.
Excess is everything, and it always slides in the same direction in McCarthy's world, whether he is playing at being Captain Morgan or Santa Claus, Heidi or a mad abstract expressionist. Everything slides into evil, the scatological and what the painter Francis Bacon once relished as "dabbling about in somebody's innards". McCarthy's work is often described as cathartic. Yet, clearly, all this acting-out, which has been going on in his work since the 1970s, doesn't work, because he always ends up in the same place, forever re-enacting the same squalid scenes. Call it repetition-compulsion, call it obsession.
Call it sculpture or performance, it is, finally, a gleeful wallowing in debasement. And it also has a great deal to do with America - with the amorality of the movie industry, with consumerism, with hypocrisy, double standards and repression. McCarthy intends his pirates, their vessels and their journeys as a trope for America's empire-building, and her current adventures abroad. The pirates might even be heroes, colourful individualists, no matter what trail of butchery they leave behind them. And all that Hershey's Chocolate Sauce, which so often has been a substitute for excrement and blood, also looks a lot like oil. It's a sticky business.
Paul McCarthy LaLa Land Parody Paradise is at the Whitechapel Gallery, London E1, until January 8. Caribbean Pirates is in Cheshire St, London E2. Details: 020-7522 7888 or www.whitechapel.org (The Guardian, Tuesday 25 October 2005 http://www.guardian.co.uk/culture/2005/oct/25/1)
Paul McCarthy: The World as Pirate’s Lair – LaLa Land, Parody Paradisethe art of Paul McCarthy, by Emma Nielson Available languages: English Deutsch
Die Welt als Piratentum
Paul Mccarthy's LaLa Land, Parody Paradise
Emma Nielson
Available languages: English Deutsch
Abgesägte Schwänze, ausgestochene Augen, galante Narben, peg leg, riesige Nasen, Säbel, Messer, penishat: Schwanz und Hodensack schmücken den Kopf anstelle des Hutes - Disney's Figurenkabinett wird zur Fratze: welcome to lala land! Piraten blicken von allen Seiten: als kackbraune Skulpturen, als großformatige schwarzweiß-Zeichnungen mit viel libidinösem, blutigem Rot - zersetzt durch Zeitungsausschnitte mit breitgespreizten Mädels und aufgerissenen Mündern, als blutrünstige Akteure in langandauernden Performances... Von allen Seiten wimmeln die Herren der Meere, deren zerstückelte Körperteile in Fetzen fliegen, während sie immer noch lachen - zu jedem Abenteuer bereit. Desweiteren lachen uns glückliche Menschen von im Negativ abgezogenen Werbephotos an. HOLIDAY PLEASURE: Familienglück, Zigaretten, bubbleworld und mittendrin ein Metallsockel auf dem ein Schwein schläft, lebenserhaltend verkabelt und ganz zufrieden lächelnd, ab und zu zuckt im Traum ein Bein oder die Schnauze - und wir sind somit mittendrin in der westlichen Gesellschaft , in derem patriarchalischen Gebaren, ihrem grenzenlosen Chauvinismus und ausufernden Imperialismus, deren Insignien des Glücks sich im Konsum finden . Die Piraten verkörpern das Potenzgerangel, das sexuelle Abenteuer, das Abenteuer auf hoher See, den Mut, die Unabhängigkeit, das Sich-Widersetzen der Regeln, das kunterbunte Treiben auf dem Schiff, den Charme, die Ehre und denEinsatz mit dem Leben.Ihr Holzbein beweist ihre Heldenhaftigkeit, das versprochene Glück findet sich immer wieder in der Suche nach der reichen Beute in der Ferne - die Schatzkiste, die schöne Frau - und geht stets einher mit Mord und Totschlag. Ermordet werden die Anderen, aber auch das Schwein wird jeden Tag wieder rituell erlegt und einverleibt.
McCarthy hat eine Vorliebe für die (US-amerikanischen) Mythen undIkonen dieser Welt. In den meisten seiner Arbeiten pickt er sich ihre Abbilder und Vorbilder aus und bearbeitet sie bis ins Mark: Santa Claus, Pinocchio, der Cowboy müssen genauso daran glauben wie Herr Bush und die britische Königin. Vielleicht besteht für ihn diese Welt nur aus Mythen - Mythen, die uns ständig die Möglichkeit geben,Vorstellungen von uns zu entwerfen, Abbilder zu feiern, überhaupt eine Legitimation zur Grösse zu geben, zum Traum und zum Glück.
Hollywood & Disney, beide sind ein Inbegriff der bereits generierten Mythen, sie benutzen sie und sie kreieren sie - in dieser Ausstellung wird die Faszination vor ihnen nicht verhehlt - im Gegenteil. Aber dann kommt die grausame Umkehrung - der Mythos wird mit seinen eigenen Mitteln geschlagen: aus dem geschwungenen, galanten Piratenhut wird der penishat, aus dem lächelnden Auge wächst ein Schwanz... Hollywood soll im Glanz leuchten und gleichzeitig besudelt werden; das Können und die Bilder der Traumfabrik werden gezeigt und wie durch eine Mangel gedreht. Was man zu sehen bekommt ist die Kehrseite, aus der heraus die Abgründe zum Leben erwachen und ans Tageslicht kommen. Das rosarote Schwein grinst sogar noch selig, während es allein von menschlicher Hand künstlich am Leben gehaltten wird. Perversionen und Grotesken schälen sich überall heraus - die Faszination und der Humor sind ebenso spürbar und hörbar wie die Häme. Die Mythen glänzen und erlöschen in lautem Getöse.
Die mit seinem Sohn Damon zusammen großangelegten Performances lehnen sich inhaltlich an Albee’sWho's afraid of Virginia Woolf und Pasolini’s Salo oder Die 120 Tage von Sodom an, jedoch erscheinen die Handlungen eher abstrakt und sind kaum erkennbar. Das Filmmaterial der Performances wird an die Wände projiziert und die Requisiten - ein Piratenschiff, ein Schiff als Fort , ein Hauswagen, einzelne Arme... - ausgestellt. In diesen Performances verdichten sich die verschiedenen Themen und Motive, die zuvor in der Ausstellung präsentiert werden: Körper und Körperlichkeit , die Glieder und die zerhackten Glieder, das Zusammengesetztsein , die Nacktheit, die Körperöffnungen, die Begrenzungen, das Beschmieren - der Ekel - der Exzess. Was gezeigt wird, ist eine seltsame Mischung aus Splatter, Absurdität, Albernheit, Exzess, Trash - den Körpern werden riesige Bäuche aufgeklebt, die Schauspieler Innen tragen alberne, runde Nasen; Mayonnaise, Ketchup und andere Saucen sind genauso wichtig wie die (nackten) Körper.
Man sieht Folter, Überfall, Vergewaltigung, Fesseln, Vögeln, Blut, es geht um Beengungen und das Durchbrechen der Enge - zumindest um denVersuch dessen. Die Schiffe bestehen aus verschiedenen winzigen Räumen, geradezu Schläuchen - und in dieser Enge vollzieht sich der Ehewahnsinn ,die Zerreißproben, der Kampf um die Macht; die dunklen Seiten der Seele und die Abgründe finden ihren Platz - und mit einem fröhlichen Lächeln auf den Lippen begeht man täglich die Gewalt. Der Horror ist perfekt. Alles in einem Gewand von humorigen Trash, ab und zu sieht man den kläglichen Versuch, die Wand zu durchbohren, um wenigstens eine Hand befreien zu können - die Margarine dient dabei als Gleitcreme .
Die McCarthy's verweisen auf die Perversion dieser Welt, sie drehen die Spirale stets weiter, aber die Analyse der Welt wird zu einer Analyse der Seele, oder umgekehrt?! Wir geraten in die Welt des Unbewussten, der Phantasie, der sexuellen Enthemmungen. Dabei geht es mehr um die Enthemmungen und Entäußerungen als um das Sexuelle - der Sex ist nur der Ort im Menschen, an dem das Hemmungslose, die Untiefen, das Exzessive vielleicht am ehesten und eindeutigsten in Erscheinung treten kann.
Widersprüchlichkeiten und Gegensätze sind aufs Engste miteinander verschlungen. Themen, Mythen... werden immer wieder konstruiert und dekonstruiert und dieses Prinzip stets offengelegt. Ich frage mich, ob diese vertraute Methode eigentlich ausreichen kann und finde nicht so recht eine Antwort. Aber am Ende bleibt eine Mischung aus irritierender, grotesker, hämische rAlbernheit und auch Ekel, die sich an den Grenzen der westlichen Moralvorstellungen entlanghangelt und sich darüber erhebt. Der Ekel scheint zur Läuterung aufzurufen, dabei ist die Perversion ihr Stilmittel.
Der zerstörerischen Unfreiheit mag man nur noch entkommen zu können, indem man deren Wucht sich aneignet und weiterschraubt; das Aushöhlen und Entmachten gelingt womöglich nur, indem man am eigenen Körper die Wirklichkeit durchlebt. Die Arbeiten leben von dem Überborden, dem Besudeln, der Stoff ist getränkt, wie auch die Menschen vollkommen beschmiert und durchtränkt sind - die Stimmung ist skurril und orgiastisch.
mit lala land parodie paradies präsentiert das haus der kunst die bislang umfangreichste werkschau des amerikanischen künstlers paul mccarthy in europa. 1945 in salt lake city, usa, geboren, gilt mccarthy als einer der international anerkanntesten und zugleich einflussreichsten künstler der gegenwart. sein schaffen war wegweisend für die jüngere künstlergeneration der amerikanischen westküste, etwa für mike kelley oder jason rhoades, inspirierte aber auch junge europäische künstler wie john bock oder jonathan meese. mccarthys interesse gilt der "malerei als aktion", der performance, der installation und dem film. seine bezugspunkte wurzeln im typisch amerikanischen: soap-operas, comics, b-movies und disneyland.
paul mccarthys kunst ist provokant. ob in den live-performances der 1960/70er jahre oder in seinen aktuellen installationen und inszenierungen – stets ironisiert und attackiert er den american way of life oder die pervertierte, von den medien manipulierte gesellschaft. seine arbeiten sind geprägt von einer drastischen, meist sexuell aufgeladenen künstlerischen sprache ohne rücksicht auf verklärende konventionen oder tabus.
lala land parodie paradies präsentiert nun auf rund 2.500 m² zwei neue, raumgreifende installationen paul mccarthys, an denen der künstler mehrere jahre arbeitete und die jetzt erstmals öffentlich zu sehen sind: pirate project und western project. in beiden arbeiten setzt mccarthy eine vielzahl künstlerischer mittel ein - installation, skulptur, zeichnung, fotografie und video - und verbindet sie zu einer monumentalen inszenierung. die protagonisten entspringen, wie häufig bei paul mccarthy, gängigen amerikanischen klischees: cowboys und piraten. sie sind urthemen der amerikanischen zivilisation und zugleich klassische sujets des hollywood kinos. sie wurden in unzähligen filmen zu mythen stilisiert und verklären die sicht auf die amerikanische vergangenheit bis heute.
im zentrum des western projects stehen das westernfort mit wachtürmen und tunneln; planwagen umkreisen den komplex und erinnern an den aufbruch amerikas nach far west und die gewaltsame eroberung von land als teil des amerikanischen traums. parallelen zum aktuellen zeitgeschehen sind hier offensichtlich. pirate project zitiert figuren wie peter pan oder pirates of the caribbean – beides rides in disneyland. kernstück ist ein original großes piratenschiff aus rostrotem fiberglas, das – wie auch das westernfort - als setting für eine performance diente, die ca. einen monat lang mit rund 30 protagonisten im haus der kunst durchgeführt wurde und in der ausstellung als video zu sehen ist. die performance – ebenso wie die große westernparade, mit der die ausstellung eröffnet wurde – funktioniert dabei wie ein initiationsritual: sie macht die installation zu dem, was sie jetzt ist. überreste wie trichter, schokoladensirupdosen oder prothesen, die in der performance einsatz fanden, oder planwagen, die teil der eröffnungsparade waren, werden nun zu bestandteilen der installation.
die welt, die mccarthy in lala land parodie paradies inszeniert, ist eine welt aus ekel und anziehung, schmutz und künstlichkeit, pornografie und disneyland. stets ist es die dunkle, verborgene seite der protagonisten, die er zur schau stellt, ironisiert und bis ins groteske überzeichnet. doch nicht schock und provokation sind das ziel mccarthys, sondern die katharsis, die den letztlich moralischen anspruch des künstlers vor augen führt.
im rahmen der bundesgartenschau 2005 installiert paul mccarthy auf dem dach des haus der kunst ein überdimensionales, aufblasbares blumenbouquet (inflatable). das haus der kunst wird so zu einem blumentopf, aus dem deutsche geranien sprießen.
Sawed-off penises, gouged-out eyes, swashbuckling scars, peg-legs, huge noses, swords, knives, even a “penis hat” (penis and scrotum as a new kind of headgear) – Disney’s cast of characters gone grotesque: welcome to lala land! Pirates appear from every side: as shit-brown sculptures, as large-format black and white drawings highlighted with lots of libidinous, bloody red – contrasted with newspaper clippings of girls with their legs spread and mouths open – and as bloodthirsty actors in long-winded performances… The room is teeming with these lords of the sea who just keep laughing, even as their body parts get hacked into scraps – they’re always up for more adventure.
But there are also happy faces smiling out at us, printed as the negatives of advertising photos. HOLIDAY PLEASURE: family fun, cigarettes, bubble world, and in the middle of it all, a pig sleeping on a metal plinth, hooked into cable TV as though it’s a form of life-support, smiling, content. Once in a while the pig twitches a leg as it dreams – and here we are, smack-dab in the midst of Western society. Its patriarchal behavior, its boundless chauvinism and escalating imperialism, not to mention its emblems of happiness, are all expressed through these difficult images of consumption. For their part, the pirates symbolize power struggles, sexual escapades, adventures on the high seas, courage, independence, an individual putting his life on the line. The pirate’s wooden leg is a tribute to his heroism, the fortune he seeks, the plunder off somewhere in the distance – the chest of treasure, the beautiful woman. It’s only the other people that get killed, but even the pig is ritually slaughtered and gobbled up with each new day.
McCarthy has a predilection for American myths and icons. In most of his works, he takes the models and role models of that world and skewers them. Santa Claus, Pinocchio and the cowboy play just as important a role in the imagery as Bush or the Queen of England. Maybe for McCarthy the world is made up of myths alone – myths which continually allow us to come up with new conceptions of ourselves, to celebrate images, to give legitimacy to greatness, dreams, happiness, and the darkness that surrounds us.
Hollywood & Disney – both are the epitome of myth generators: they use them and create them. McCarthy’s show does not conceal the fascination that such myths hold – just the opposite – he indulges them. But then comes the horrible reversal – the myth is destroyed by its own means: the curved, rakish pirate hat becomes the penis hat, the smiling eye grows into something phallic…Illuminated by its own light and glitter, Hollywood is meant to shine and be sullied at the same time; the skills and constructs of the dream factory are put on display and then pulled apart. What the viewer sees is the other side, where the darkest depths come to life and to light. The pink pig still grins blissfully even though it is kept alive artificially, by human effort alone. Perversions and grotesqueries appear everywhere – the fascination and the humor are just as audible and tangible as the malice.
The content of McCarthy’s large-scale performances, created with his son Damon, or in the lineage of Edward Albee’s “Who’s Afraid of Virginia Woolf” and Pasloni’s “Salo” or “120 Days of Sodom”, yet the action is abstract; barely comprehensible. The film material of McCarthy’s performances are projected onto walls, while the props – a pirate ship, a ship as a fort, a caravan, individual arms – are displayed around the room. These performances highlight various themes and subjects that have been presented earlier in the exhibition: bodies and corporeality, limbs and dismemberment, juxtaposition, nudity, bodily orifices, boundaries, smearing – disgust – excess. What ends up being shown is a strange mixture of B-movie gore, absurdity, inanity, excess, trash – huge bellies stuck onto bodies, actors wearing silly, round noses; mayonnaise, ketchup and other sauces just as important as the (naked) bodies.
The viewer sees torture, attack, rape, bondage, sex, blood – it’s about restriction and breaking through restriction – or at least the attempt to do so. Pursuing the boundaries. The struggle for power, the dark sides of the soul and its darkest depths all find their place in this exhibition –it’s with a smile on our lips that we go about our daily violence. McCarthy and his son point out the perversions of this world - they keep turning the screw further - but does this analysis of the world become an analysis of the soul, or vice versa?! We end up in the world of the unconscious, the imagination, sexual inhibitions unmasked. But even there it’s more about shedding inhibitions and relinquishing control than it is about anything purely sexual. Sex is just the part of human beings where a lack of restraint, the excessive, and the real depths are most likely to become apparent. Contradictions and opposites are intertwined intimately. Themes and myths are continually constructed and deconstructed as this principle is continually revealed. I question whether that method, time-honored though it may be, is really equal to its project in this case, and I’m not sure of the answer. What remains at the end of the experience is a mixture of irritating, grotesque, malicious inanity and also disgust, which gropes its way to the limits of Western morals and then overcomes them. Disgust would seem to invite an attempt at reformation, though perversion is the means to that end.
It may be that one can only escape the destructive lack of freedom by taking on its very force and cranking it up to its highest volume; hollowing it out and depriving it of its power is only possible when one lives its reality through one’s own body. McCarthy’s works are enlivened by being overloaded, soiled, the material is awash, just as human beings are thoroughly soiled and saturated – the mood is bizarre and orgiastic. And you are left, alone, to figure out the point.
lala land took place at:
whitechapel gallery, London www.whitechapel.org
Haus der Kunst, Munich www.hausderkunst.de
The catalog was published by Hatje Cantz, with articles by: Elisabeth Bronfen, John C. Welchman, Benjamin Weissman, and Stephanie Rosenthal.
Head Shop / Shop Head (2007/2008) : " The exhibition is rough, abject, violent, it grabs you by the guts, hovers between bad Hollywood slapstick and the restroom, it's a carnival of the vile and filthy but it is fascinating and mind-blowing. In fact, it must be one of the best exhibitions... "(Paul McCarthy at the S.M.A.K. 2007) http://www.we-make-money-not-art.com/archives/2007/12/last-week-i-vis-2.phpMcCarthy's work seeks to confront us with cultural and social traumas – with the dark side of The American Dream and western consumer society. As McCarthy himself says, "You may understand my actions as vented culture. You may understand my action as vented fear."
Zur Zeit arbeitet McCarthy mit Photo, Video , Skulpturen ( "Props") und Installationen. Dabei werden große Kulissen aufgebaut, in denen dann Akteure Szenen nach "Lust und Laune" spielen. Alle Handlungen werden auf Video und Fotografie festgehalten. Nach Beendigung der Performance, zählen Kulissen, Videomaterial und auch Fotos als Kunstobjekte. An diesen Arbeiten ist in letzter Zeit auch oft sein Sohn Damon McCarthy beteiligt. Ein Teil seines Werkes bezieht sich auf Disney´s animierte Szenen in Disneyland, als Beispiel sei PIG ISLAND genannt.
Paul McCarthy arbeitet in allen zeitgenössischen Medien und zählt zu den wichtiigsten zeitgenössischen Künstlern.
Werke:
more than 60 films spanning his entire oeuvre, his early sculpture Dead H (1968) and the installations The Trunks (1992-93), The Garden (1992) and Bossy Burger (1991)
- 1968/69 :::::::SF Art Institute (Studium): Stoned blue Drawings - Dekonstruktive Materialaktionen
- 1969- 1978:: Minimalistische Periode
- ab ::::::::::::::Gebrauch von Ketchup und Mayonaise
- ca 1974 ::::::Performances: Ma Belle, Stomach in a Squirrel
- 1975 :::::::::::Sailor`s Meat ( spielt einen Seemann)
- 1983::::::::::::Death Ship , Inside Outside Olive Oil ,
- 1987::::::::::::Family Tyranny
- ab 1991 ::::: Bossy Burger, arbeitet er mit Masken myth. amerik./europ Figuren ( E. Neuman, Heidi, Santa Claus, Piraten, Cowboys )
::::::::::::::::::: http://www.art-in.de/incmeldung.php?id=899- 1992 :::::::::::The Garden
- 1995 :::::::::::Painter
- 1998 :::::::::::Yahoo
- 1996/99::::::::Tokyo Santa
- ::::::::::::::::::::Heidi , Pinocchio,
- 1997/99::::::::Michael Jackson
- 1998::::::::::::Sodie Socks Camp OSO / Yahoo
- 1999:::::::::::::The Box , Brain Box,
- 2000:::::::::::::Chocolate Blockhead ( Weltausstellung in Hannover,Germany )
- 2001-2007 :::::::::::::Pirate
- 2002:::::::::::::Shit Plug / Pinocchio 2002
- 2003:::::::::::: Piccadilly Circus / Bunker Basement
- 2004::::::::::::Brain Box Dream Box 2004
- 2005::::::::::::La La Land
- 2007/ 8::::::::Headshop/Shophead
- 2003-2009::::Pig Island
HIer die Projektbeschreibung von Paul McCarthy selber zu:Pig Island (2003-2009 )
- Land surrounded by water
- Disneyland
- A man with pigs
- Intoxication
- Eyecontactwith pig
- Mistaken identity
- White platform
- Celebrities
- Paula Jones
- Life cast
- Angelina Jolie
- Continuation, continuum
- Mother äs George W. Bush
- Alice in Wonderland
- Mandala äs two-dimensional plan for three-dimensional construction
- Three-dimensional construction äs mental language
- Three-dimensional construction äs producer, object maker
- Three-dimensionai construction äs mother, baby producer
- Fornication
- Bent over
- Two forms äs one form
- Illustration ofcreative continuation
- Groin Sensation
- Continuation
- Two forms äs one form
- Blended forms become abstraction
- Repräsentation of what does and does not exist
- Artascover-up
- Production astheater
- Pedestalas stage
- Platform as island
- Assemblage
- Fresh pigtongue
- Frozen pigtongue
- Spoon position
- The space between the forms
- Blurringthe Separation
- Molding the forms
- Re-molding the forms
- Abstraction
- Mechanization
- Mechanicalfigure
- Carving out the interiorof thehead
- Cl litter factor
- Process residue
- Platform surrounded by blue carpet
- Alien mother with spin-off
- Second floor penthouse
- In progress
- Thefuture
- Object continuation
- Mirror walls on the inside
- Mirror walls on the outside
- A wall but not a wall
- The Illusion of a space
- To butterfly a perception of a space
- Duplicationof a space
- Multiple duplication of a space
- Momentary confusion
- Disorientation
- The ceiling on the wall on the outside äs seen from below
- A blurring of object boundaries
- In the upstairs room
- You see yourself multiplied
- Couch, coffee table and white wall-to-wall carpet
- Seven-inch holes in the floor with removable plugs
- Holesfordefecation
- Partygoers can defecate
- You take a dump through the holes
- Defecating on the objects, the sculptures below
- Theater reflection
- Upstairs a constant supply of Asombroso El Platino Silver
- Watching oneself while watching each other
- Paul McCarthy August 17,2009
weitere Werke: Alpine Man / Santa Chocolate Shop
Reviews: Backdoor Man /The Mechanical Id / Performance / Boxing Paul / Interview 2001 /
Links: McCarthy im Haus der Kunst München 2005 / artin.de / PortalKunstgeschichte X / netzeitung.de / Paul McCarthy
Die Arbeiten von Paul McCarthys sind provokant. In den Live-Performances der späten 60er- und 70er-Jahre setzte er seinen Körper als Material ein und ging oftmals bis an die eigenen physischen Grenzen. Er hantierte mit typisch amerikanischen Produkten wie Ketchup oder Mayonnaise, die er mit eigenen Körperausscheidungen zu Saucen vermischte - eine Attacke gegen die Werte des american way of life und die von den Medien manipulierte Gesellschaft. In den 80er-Jahren entstanden neben den Live- und Videoperformances mechanische Figuren (mechanical sculptures), die den Künstler im Ausstellungsraum allmählich ersetzten. Seit den 90er-Jahren verbindet McCarthy in grossen Installationen den realen, schmutzigen und aggressiven Körper mit cleanen Kulissen. Es entstehen komplexe Werkgruppen und Inszenierungen, die - meist sexuell aufgeladen - auf theatralisch-drastische Weise mit Tabus brechen und auf Themen verweisen wie sexuelle Gewalt.
Paul McCarthy parodiert Autoritätspersonen, feste Familienbeziehungen und starre Begriffe von Sexualität. Mit Materialien wie Ketchup oder Mayonaise ironisiert er die "amerikanischen Werte". Er selbst benannte in den 70er Jahren diese Bestandteile als "Flux" und charakterisiert mit dieser Bezeichnung auch sein künstlerisches Vorgehen. Diese "Flux" - Materialien stellen nicht allein Lebensmittel, sondern auch Körperflüssigkeiten dar. Die Assoziation von Ketchup mit Blut weckt dabei vor allem Horrorvorstellungen. Ebenfalls dienen die Materialien als Farbe zum Malen und spielen damit auf den Künstler selbst an.
In den 80er Jahren ergänzte Paul McCarthy seine Live - und Videoperformances durch kinetische Figuren. Esi st deutlich, daß er mit diesen automatisierten Figuren auch ein Substitut für sich selbst geschaffen hat. Durch ihre Mechanik bleibt ihr performativer Charakter gewahrt. Hatte er bereits in der Videoaufzeichnung seiner Liveperformances die Unmittelbarkeit der Vorstellung abgeschwächt, so erreicht er diese Distanzierung nun durch den Einsatz einer kinetischen Figur, deren Bühnenset immer mehr an Gewicht zunimmt und die Flux Materialien ersetzt.Paul McCarthy ist eigentlich als Vertreter der Abject Art ( Arbeit mit Körperflüssigkeiten und Exkrementen) bekannt und arbeitet in der Fortführung und Verschmelzung der Ideen von Fluxus und Andy Warhol.
Paul McCarthy beschäftigt sich im Besonderen mit den Clichefiguren des US-Mainstream-Unterhaltungsbetriebes - Stichwort Disney, Alfred E. Neumann, St.Nikolaus, Heidi , Pinochio - und deren unausgelebten Seiten, den indem er seine psycho-sexuelle Basis dekonstruktiv offenlegt. So zeigt er die Rückseiten des amerikanischen Traumes.
Seit Ende der sechziger Jahre arbeitete Paul McCarthy mit einer Vielzahl von Medien: Sein Interesse galt der >Malerei als Aktion< der körperlich-psychischen Entäußerung um, ähnlich Beuys in einem räumlichen Kontext seine Aktionen realisiert und ein Werk als Installation zurückläßt. Zusätzlich speichert eine Videokamera die Aktion die den voyeuristischen Blick des Betrachters lenkt.
Mit>Bavarian Kick<1987, erweiterte McCarthy sein formales Repertoire um teils mit Motor ausgestattete Plastiken, die an seiner Stelle agieren. Im Mittelpunkt von McCarthys Performances stehen die Konflikte oder >Dilemmata< der hybriden und zugleich klischeehaften Charaktere, die er mit Hilfe von Masken und Verkleidungen annimmt: des Politikers (>Carter Replacement Mannequin< 1980), der Hausfrau (>Mother Pig< 1983) oder auch des Künstlers (>Painter<1995).
McCarthys stets sexuell aufgeladene Aktionen sind theatralisch-drastische Inszenierungen von oftmals tabuisierten Vorgängen und Handlungen wie Geburt und Tod, Koitus, Sodomie und Masturbation, Kindermißhandlung;häufig verweisen sie auf die patriarchale Familienordnung als einen Ort tiefgreifender Störungen, wie in >Bossy Burger< 1991, oder >Heidi<( mit Mike Kelley), 1992.In der Maskerade der mythischen Cliches legt er deren dunkle Seiten offen.
Dabei geht es ihm jedoch nicht um die Authentizität unterdrückter Gefühle, sein Thema ist die Prägung individuellen Verhaltens durch massenmediale und soziale Strukturen. Der Körper ist einer der Schauplätze, an dem sich diese Einflüsse überlagern. McCarthy Bezugspunkte sind die Simulakren einer (un)heilen Welt wie Disneyland, B-Movies, Fernsehserien und Comics. Seine obsessive Verwendung industriell hergestellter Flüssigkeiten wie Ketchup oder Mayonnaise als Ersatz für Körperflüssigkeiten markiert den durch und durch entfremdeten Zustand des (amerikanischen) Individuums:
McCarthy inszeniert ausweglose Situationen, die soziale Machtverhältnisse widerspiegeln, um sie seinen geschmacklosen. symbolischen und nicht zuletzt tragikomischen Verwüstungen zu unterziehen."
Zitate : Astrid Wege 1999 -siehe TaschenVerlag, >Art at the turn of the Millennium<, 1999
Paul McCarthy in San Diego 2004Paul McCarthy fuses sculpture and performance in artwork that is defined by controversial combinations of pop-culture clichés, social taboos, and art historical references. Throughout his thirty-year career, McCarthy has repeatedly exploited the popular image of the pirate as the psychological inspiration for an ongoing, complex, and continually changing project. His pirate drawings, films, and sculptures engage the clichés of a hermetically closed, male-dominated world where fantasies-otherwise repressed-are made manifest and moral barriers are torn down.
Pot Head embodies McCarthy's desire to deface perceived cultural, sexual, and in this case, artistic norms. In its first incarnation, Pot Head was a clay bust of a man wearing a pirate's tricorner hat and lapelled coat. McCarthy, in a characteristic act of destructive bravura, later used a cutlass to hack off the sculpture's nose and ruffled shirt. He then destroyed the bust's hat by shoving a pot down over its head and eyes. This silicone cast of the clay bust features the detritus of McCarthy's performance. The lumpy remains of the hat sit where they first fell and the sword rests where McCarthy laid it down after "finishing" his sculpture.
ESSAYS
Paul McCarthy - Selected Exhibitions ( Solo shows / * indicates publication )
2005: Haus der Kunst , München,D-land
2001 :Museum of Contemporary Art, New York (22/02 - 13/05 2001)
2000 :"Paul McCarthy", Museum of Contemporary Art, Los Angeles (12/112000 - 21/01 2001) & New *
1999 :" Paul McCarthy " Sammlung Hauser und Wirth, St. Gallen-CH, 6/13-10/10
" Dead H, and Early Performance Photographs " Studio Guenzani , Milan, Italy, 24/3-19/4
1998: "Painter, Video and Drawings" Galerie Krinzinger, 9/24/-10/23
"Photographs--Performance Photographs and Video, 1969-1983" Luhring Augustine, 4 /18-5/21 21
"Photographs--Performance Photographs and Video, 1969-1983" Patrick Painter, Inc. 1/21-2/ 21
1997: "Santa Chocolate Shop", Galerie Hauser & Wirth, Zurich, Switzerland, August 23-October 18
1996: "Paul McCarthy," Tomio Koyama Gallery, Tokyo, Japan, November 23-December 10
"Saloon," Air de Paris, Paris, France, Oct. 26-Nov. 12
" Yaa-Hoo", Luhring Augustine Gallery, New York, NY, September 7-October 12
"Video Works", Galerie Drantmann, Brussels, Belgium, March 16
"Videos and Drawings" Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, Denmark, February 16-March 17
1995: "5 Photographic Works, 1970-1974," Blum & Poe, Santa Monica, CA. Dec. 5, 1995-Jan. 13, 1996
"Painter," Projects Room, Museum of Modern Art, New York, NY, May 30-July 18, 1995
Art and Public, Geneva Switzerland
"Tomato Head," Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany, February 17 to March 5, 1995
"Pinocchio Pipenose Householddilemma Tour", Travels to: Air de Paris, Paris France; Galeria Antoni Estrany, Barcelona, Spain;
Luhring and Augustine, New York, NY; Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, Denmark; Esther Schipper Galerie, Koln, Germany; Studio
Guenzani, Milan, Italy; McKinney Art Center, Dallas, TX; Auckland City Art Gallery, Auckland, New Zealand; Ooe Landesmuseum, Linz, Austria
1994: Air de Paris, Paris, France
Le Fonds Regional d'Art Contemporain, Poitou-Charentz, Angouleme, France
Air de Paris, Nice, France
Rosamund Felsen Gallery, Los Angeles, CA.
Galerie George-Philippe Vallois, Paris, France
Studio Guenzani, Milan, Italy
1993:"Video," Ynglingagatan I, Sweden
Galerie Krinzinger, Vienna, Austria
"The Dead Viking", Buchholz und Buchholz, Koln, Germany
Luhring Augustine Gallery, New York, NY.
1997-98
- Grand Opening at our New Space
- Thursday, May 28, 1998 - Saturday, August 1, 1998
- Luhring Augustine Gallery, 531 West 24th Street, New York, New York 10011
- Paul McCarthy 1969-1983
- Saturday, April 18, 1998 - Friday, May 22, 1998
- Luhring Augustine Gallery, 130 Prince Street, New York, New York 10012
Patrick Painter Editions
- Editions published by Patrick Painter.
- Saturday, October 18, 1997 - Saturday, November 29, 1997
- Lehmann Maupin, 39 Greene Street, New York, New York 10013
1996-97
The 1997 Bienniel Exhibition- Curated by Lisa Phillips and Louise Neri.
- Thursday, March 20, 1997 - Sunday, June 1, 1997
- Whitney Museum of American Art, ALL FLOORS, 945 Madison Avenue at 75th, New York, New York 10021
- Paul McCarthy, Paul Noble, Allen Ruppersberg
- Saturday, December 7, 1996 - Saturday, January 11, 1997
- Jay Gorney Modern Art, 100 Greene Street, New York, New York 10012
a/drift:
- Scenes from the Penetrable Culture.
- Sunday, October 20, 1996 - Sunday, January 5, 1997
- The Center for Curatorial Studies Museum, Bard College, Annondale-on-Hudson, New York 12504
- Paul McCarthy Yaa-Hoo Town
- Saturday, September 7, 1996 - Saturday, October 12, 1996Luhring Augustine Gallery, 130 Prince Street, New York, New York 10012
|
|
Phaidon Verlag> Paul McCarthy< |
||
|
